EL ESPERPENTO


DEFINICIÓN DE ESPERPENTO

Aunque el uso del término esperpento no es exclusivo de Ramón del Valle-Inclán, se identifica con su producción literaria escrita a partir de 1920, tanto en el teatro como en la novela.

EL GÉNERO DEL ESPERPENTO EN VALLE-INCLÁN

La metáfora de los espejos deformantes

-El esperpento como auténtico género dramático hace su aparición en 1920 con la obra Luces de bohemia  Esperpento. La metáfora conceptual de este nuevo género teatral partió de una localización real; se encontraba por entonces un comercio de ferretería, situado en la madrileña «calle de Álvarez Gato» (el «callejón del Gato» de Luces de Bohemia), cuya característica más llamativa era la fachada publicitaria, donde se hallaban un espejo cóncavo y otro convexo que deformaban la figura de todo aquel que frente a ellos posase.Esto, que se convirtió en un entretenimiento de la época, sería utilizado por Valle-Inclán como metáfora llevada a la escena teatral y a su narrativa.

Así, la deformación de la realidad bien podía ser divertida, como de hecho lo era para los transeúntes, pero podía convertirse en algo más: en un espejo social, en una crítica, en una deformación exagerada de la realidad que devolvía la verdadera imagen que se iba buscando al enfrentarse al espejo.

El Esperpento según el propio Valle-inclán

– El sentido trágico de la vida española sólo puede darse con una estética sistemáticamente deformada. […] Las imágenes más bellas en un espejo cóncavo son absurdas. […] La deformación deja de serlo cuando está sujeta a una matemática perfecta. Mi estética actual es transformar con matemática de espejo cóncavo las normas clásicas».
Como puede observarse, la idea de esperpento está asociada a una percepción del autor acerca de la mezcla entre grandeza y grotesco que Valle-Inclán considera propia de la sociedad española. Este modo de ver la realidad se empleó en toda su obra a partir de entonces, como en la trilogía esperpéntica que recopila en Martes de Carnaval, Esperpento, y que contiene a La hija del capitán, Las galas del difunto y Los cuernos de don Friolera. Más que un estilo o una técnica teatral, el esperpento es una poética, es decir, una forma de crear, que consiste en retratar hechos y personajes de una determinada manera. 

Características del género teatral del esperpento

1) Lo grotesco como forma de expresión:

  • la degradación de los personajes.
  • la reificación o cosificación de los personajes, reducidos a mero signo o a muñecos.
  • la animalización o fusión de formas humanas y animales
  • la literaturización del lenguaje coloquial, frecuentemente investido de todo tipo de intertextualidades.
  • el abuso del contraste
  • la mezcla de mundo real y de pesadilla
  • la distorsión de la escena exterior
  • La deformación sistemática de la realidad

2) La deformación sistemática de la realidad:

  • La apariencia de burla y caricatura de la realidad
  • El significado profundo, semi transparente, cargado de crítica e intención satírica que constituye la auténtica lección moral

3) La presencia de la muerte como personaje fundamental:

Esta técnica teatral hizo de Valle-Inclán un precedente cinematográfico, debido a los continuos cambios de escenario así como a la profusión de historias durante el desarrollo de la obra, que finalmente acababan por cruzarse.

La degradación del esperpento afecta a ambientes y personajes:

  1. Ambientes: Los escenarios dominantes son tabernas burdeles, antros de juego, interiores míseros, calles inseguras de Madrid.
  2. Personajes: Por las piezas deambulan borrachos, prostitutas, pícaros, mendigos, artistas fracasados, bohemios, presentados como marionetas sin voluntad, animalizados y cosificados.

Una de las reflexiones más importantes que plantea la creación esperpéntica es si se trata de una imagen deformada de la realidad, o si se trata de la imagen fiel de una realidad deforme.

 

EL TEATRO DE VANGUARDIA.


 

El Teatro de vanguardia es un movimiento teatral que surge paralelamente a la antinovela o nueva novela, en Francia, alrededor de 1964, un fenómeno teatral que se caracteriza por la negación de las formas establecidas y por la búsqueda de un nuevo y original lenguaje escénico. Sus precedentes se hallan en las tendencias innovadoras en el teatro desde inicios del siglo XX, uno de cuyos primeros exponentes fue la obra Ubú rey de Alfred Jarry (1896) así como la enorme influencia de Antonin Artaud (1896–1948) con su libro El teatro y su doble.

 

Como en la nueva novela, no puede hablarse de escuela o de movimiento, sino más bien de analogía entre varios autores en orden a la problemática teatral, tanto en su aspecto técnico como de contenido. De aquí que toda etiqueta resulte demasiado estrecha para englobar a escritores que proceden de distintos horizontes literarios, ideológicos y geográficos (es curioso observar que los más importantes autores vanguardistas han nacido fuera de Francia, pero su producción dramática se hace en francés y sobre todo pensando en París), y que únicamente tienen en común un determinado número de premisas.

 

Estas premisas son esencialmente negativas y se concretan en un triple abandono: abandono de la intriga convencional, abandono de la psicología como resorte escénico y abandono de todo realismo. En lugar de personajes bien caracterizados, de una estructura lógicamente construida y de diálogos brillantes, las antipiezas del nuevo teatro nos presentan el reflejo de un mundo de pesadilla y una reflexión sobre el lenguaje hecha de absurdo e incongruencia.

 

 

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El teatro español en el siglo XX hasta 1939


Guion

™Transición del XIX al XX.

1.Teatro realista y naturalista

2.Estudio de caracteres

3.Teatro dentro del teatro

4.Teatro simbólico

5.Teatro cómico-popular

6.De la farsa hacia el teatro político

7.Del espectáculo teatral al cine musical

8.Teatro social y político

9.Teatro de vanguardia

10.El esperpento

El exilio ocasional de innovadores y vanguardistas hacia Europa o América se produjo en varias épocas de la Restauración (cfr. la Semana Trágica de Barcelona, la Guerra de Marruecos) y durante la dictadura de Primo de Rivera. A la dificultad de inventar y crear en la España del esperpento se dedica la trama de Luces de Bohemia. El paréntesis creativo de la República, apenas cinco años, fue cerrado y reprimido a lo largo de treinta y cinco años por la dictadura franquista.
Y ahora, ¿qué ocurre en nuestros años de crisis, más allá de lo económico, cuando se retira la inversión en creatividad e innovación, no solo artística o teatral, sino también científica? El esperpento es el espejo de Españistán en la costa, la ciudad y el campo hipotecados.

En la presentación no es posible tener acceso a los vídeos intercalados. Después de conocer su contenido, te aconsejo que participes activamente en interpretar y relacionar las ideas, las imágenes y la música (de Lorca, Mompou, Falla, Erik Satie, Gershwin, Poulenc), contemplando el documental elaborado sobre el mismo guion. Puedes detener el visionado, volver sobre los créditos y las citas, investigar sobre las producciones teatrales y cinematográficas. La cuestión es que relaciones hechos, personas, personajes, géneros, artes, a través de tu interpretación activa, hasta fraguar una opinión propia.

Valle Inclán: fuentes fiables

José Luis Garcia Sánchez, De tertulia con Valle-Inclán: ficción documental de RTVE

Marco histórico y análisis de Luces de bohemia (1920-1924).

El esperpento, por alumnos/as del IES San Isidoro

Las funciones sintácticas del lenguaje


Estudio de las funciones sintácticas a partir de una didáctica de los papeles semánticos y del escenario en que transcurren: la lengua es un teatro.

La dimensión más formal y abstracta de la sintaxis es la menos intuitiva. Sin embargo, representa de algún modo una capacidad genética del ser humano hablante: la organización de los papeles semánticos en relación con el verbo, por medio de la concordancia y la flexión.

Índice

1. El verbo, matriz de la sintaxis

2. Argumentos y adjuntos

3. Sujeto y predicado: el más interno de los argumentos es el sujeto

4. Partes del sintagma: núcleo y complementos

Complementos nominales

Complementos verbales

5. Complementos o adjuntos oracionales

Próxima etapa: el análisis de la oración

Ahora es el momento de contestar los cuestionarios sobre las reglas de construcción de la sintaxis, en relación con el verbo.

La lengua es un teatro que sigue unas reglas, las cuales constituyen su sintaxis.
Tienen un sentido normativo, como cualquier regla, pero también nos sirven para jugar por medio de ellas, desplegando sus posibilidades creativas.
Muchas reglas, aunque no todas, se refieren a la relación del verbo con sus argumentos y a la coherencia o incoherencia de los adjuntos con el verbo y con el conjunto de la oración. Veamos…

 

PERSONAJES


 

Al igual que las obras narrativas, en las obras dramáticas, en el teatro, existen personajes, seres creados por el autor de la obra, que cobran vida en la ficción de la obra. Ellos dicen sus parlamentos y, a través de sus palabras, nos ayudan a imaginarnos y configurar la acción. Son quienes llevan a cabo la acción dramática a través del diálogo. Debido a las limitaciones espacio-temporales de una obra teatral, es difícil que podamos conocer en profundidad la psicología de todos los personajes, por lo que sólo son analizados con detenimiento los protagonistas.

Hay que recordar que los personajes se mueven, hacen gestos, llevan la vestimenta apropiada para la obra representada, es decir, complementan el diálogo mediante la mímica o los gestos; y los lectores nos enteramos de todo esto mediante las acotaciones del autor.

Es importante señalar que estos personajes, que existen en la obra dramática, son encarnados por actores al momento de representar la obra y convertirla en una pieza teatral. Los actores son personas reales, que pueden dar vida a distintos personajes, según las obras que realicen.

A lo largo de la historia del teatro han existido distintas series o tipos característicos de personajes. Pero en general en las obras dramáticas podemos diferenciar estos tipos de personajes. Estos son:

  • EL PROTAGONISTA

Es el personaje principal, el más importante. Es quien representa a una de las fuerzas que normalmente existen en la obra dramática, y que se encuentran en conflicto.

Lo común es que el protagonista siempre trate de buscar la solución del conflicto de buena manera. Es un personaje con el cual el lector o el publico se identifica; al leer o presenciar la obra se solidariza con el, se pone de su lado.

  • EL ANTAGONISTA

Es también un personaje importante y representa la otra fuerza que lucha. La otra fuerza del conflicto nombrada anteriormente. El antagonista es, entonces, quien se opone al protagonista, está en contra de que él logre sus fines.

Dicho de un modo familiar, el antagonista es el malo de la historia. Él retrasa la solución del conflicto, y los lectores y espectadores destinatarios de la obra, generalmente no están de su lado, no quieren que triunfe.

  • PERSONAJES SECUNDARIOS

Son aquellos que no representan una de las dos fuerzas en conflicto, sino que se suman a una de las dos, dando su apoyo ya sea al protagonista o al antagonista.

No hay que creer que por ser secundarios, esto personajes tiene menos importancia dentro de la obra. Lo que sucede es que el conflicto no esta centrado en ellos, pero su acción es igualmente definitiva para el desenlace de la obra y su presencia es esencial.

TEATRO ESPAÑOL.


AUTO SACRAMENTAL

  • Un auto sacramental es una obra de teatro religiosa alegórica de uno o varios actos y de tema preferentemente eucarístico que se representaba el día del Corpus entre los siglos XVI y XVIII, hasta la prohibición del género en 1765, por lo general con gran aparato escenográfico.Las representaciones comprendían en general episodios bíblicos, misterios de la religión o conflictos de carácter moral y teológico.
  • El  creador más grande de autos sacramentales fue Pedro Calderón de la Barca.  En su forma clásica, el auto sacramental desarrolla una auténtica psicomaquia entre personajes simbólicos que encarnan conceptos abstractos o sentimientos humanos en medio de un lujoso aparato escenográfico para desarrollar una idea alegórica de carácter teológico o incluso filosófico, a veces.
  • Según Ignacio Arellano:

EL ENTREMÉS

  • El entremés es una pieza cómica breve que, en el entramado de la fiesta teatral barroca, acompañaba a la representación de las comedias y los autos. Este subgénero dramático explora al máximo la comicidad verbal (hace uso de todos los recursos de la jocosidad disparatada) y también la escénica (gestos grotescos, movimientos descompuestos, peleas, persecuciones, etc.). En otro orden de cosas, manifiesta una clara inclinación a la temática costumbrista. 
  • Se trata de un subgénero que tiene autonomía propia. Al comienzo estaba escrito en prosa y se limitaba a una caracterización caricaturesca de algunos personajes cómicos. Más tarde, Lope de Rueda supo enriquecer con nuevos matices los tipos tradicionales y amplió la visión realista del entorno, insertando la comicidad literaria en un ámbito más costumbrista. Otro eslabón fundamental en la evolución del género lo constituyen las piezas de Cervantes. 

Sainete

  • Un sainete es una pieza dramática en un acto y normalmente de carácter popular, que se representaba como intermedio de una función o al final (siglos XVIII, XIX y XX)
  • Según Voss, en la historia del desarrollo del sainete pueden observarse cuatro etapas:1. (1603-1750). En esta tuvo lugar la transformación del término. Ya estaban prescritas algunas características como la poca extensión de las piezas y la mezcla de humor, etc..2. (1760-1868). Es la época en que el sainete llegó a ser un género literario gracias a las creaciones de Ramón de la Cruz.3. (1868-1894) el sainete recobró rigor de la mano de Tomás Luceño. Con una extensión más amplia (hasta 45 min.).4. (1894-1915). Este periodo puede calificarse como la etapa de la decadencia porque  finalmente el sainete fue absorbido por la «comedia asainetada».
  • Entre los principales cultivadores de este subgénero cómico en el siglo XVIII se encuentran los gaditanos Luis Moncín y Juan Ignacio González del Castillo, y los madrileños Ramón de la Cruz y Sebastián Vázquez

LA ZARZUELA.

  • Zarzuela, género musical escénico español en el que se mezclan partes instrumentales, vocales y habladas. La zarzuela deriva del nombre del palacete o pabellón de caza, rodeado de zarzas, donde, en el siglo XVII se representaban para la corte española historias con temática mitológica.
  • Destacan El jardín de Falerina con música de Juan Hidalgo y libreto de Pedro Calderón de la Barca, el más importante autor de zarzuelas de esta época. La primera zarzuela de la que se conserva suficiente música como para tener una idea clara de cómo era el género en el siglo XVII es Los celos hacen estrellas de Juan Hidalgo y Juan Vélez, obra interpretada en 1672. Los siglos XIX y XX fueron épocas de gran producción de zarzuelas en la América Latina, en especial en VenezuelaCubaMéxico y Argentina, de donde salieron grandes obras que todavía son presentadas internacionalmente como El cumpleaños de Leonor, de Montero que era la historia de una mujer mayor que al descubrir la traición de su marido buscaba una vida mejor en la gran ciudad ; Maria La O de Ernesto Lecuona y La Media Naranja del íbero-argentino Antonio Reynoso.
  • Los autores mas importantes del siglo XIX que escribieron Zarzuelas fueron: S.XIX.ARIETAEn la obra de Arrieta (principalmente zarzuela) destaca el culto al italianismo en contraposición a otros compositores como Francisco Barbieri que realzan con frecuencia el casticismo nacional.BARBIERIAunque también compuso música instrumental, lo más importante de su obra está sin duda en el teatro. 

    Publicó un Cancionero musical de los siglos XV y XVI y editó las obras de Juan del Encina.

    CHUECA

    Escribió numerosas zarzuelas entre las que podemos destacar: ¡A los toros!, Agua, azucarillos y aguardiente (1897), 

    CHAPI

    Su mayor mérito y talento reside en sus obras para teatro: algunas óperas como Margarita la tornera (quizá la más conocida compuesta en 1909) y sobre todo sus 155 zarzuelas estrenadas en su gran mayoría con éxito. 

    VIVES

    Entre las más de un centenar de zarzuelas podemos destacar: Bohemios estrenada en el teatro de la Zarzuela de Madrid en 1904; La generala (1912) y sobre todo Doña Francisquita (1923) con libreto inspirado en La discreta enamorada de Lope de Vega.

    JIMÉNEZ

    Compuso algunas obras sinfónicas y de cámara, pero el género en el que más destacó fue en la zarzuela. Las más conocidas son: El baile de Luis Alonso (1896), La boda de Luis Alonso (1897)

    S.XX.

    SERRANO

    En 1926 compone la ópera La Virgen de mayo, pero sus principales esfuerzos los dedicaría posteriormente a la zarzuela, estrenando en 1932 su célebre Luisa Fernanda.

    GURIDI

    Entre sus obras más importantes destacan Así cantan los niños (1909), Mirentxu (1910), Amaya (1920), La meiga (1929), Seis canciones castellanas (1939), etc..

    USANDIZAGA

    Su obra, impregnada del folclore vasco, abarca diversos géneros como la obertura en Bidasoa, la fantasía en Vascongada, el poema sinfónico en Melibah, así como varios cuartetos de cuerda y música vocal. Pero donde consigue manifestar mejor su enorme talento es en la música teatral. 

    RAMÓN DE LA CRUZ

    Entre sus obras figuran las siguientes: La petimetra en el tocador, La avaricia castigada, La devoción engañosa, Las bellas vecinas, El caballero Don Chisme, El sordo y el confiado, Los baños inútiles, y Las castañeras picadas.

    MANUEL FERNÁNDEZ CABALLERO

    Las más conocidas son: El dúo de la africana estrenada en el teatro Apolo en 1893; Los sobrinos del Capitán Grant;El cabo primero; Château Margaux.

 

MIREIA JIMÉNEZ GALLEGOS. 2º BTO C.